Partners Category: Artisti/Artigiani

Nato a Milano nel 1966. Artista di livello mondiale, vive e lavora a Mariano Comense. Nei suoi lavori predomina, su tutti gli altri soggetti, la bellezza eterea e sfuggente, delicata e perfetta di giovani donne.

Piero Gilardi nasce a Torino nel 1942, dove vive e lavora. Nel 1963, realizza la sua prima mostra personale Macchine per il futuro. Due anni più tardi realizza le prime opere in poliuretano espanso, i Tappeti-natura che espone a Parigi, Bruxelles, Colonia, Amburgo, Amsterdam e New York. A partire dal 1968 interrompe la produzione di opere per partecipare all’elaborazione delle nuove tendenze artistiche della fine degli anni ’60: Arte Povera, Land Art, Antiform Art. Collabora alla realizzazione delle due prime rassegne internazionali delle nuove tendenze allo Stedelijk Museum di Amsterdam e alla Kunsthalle di Berna.Nel 1969, comincia una lunga esperienza transculturale diretta all’analisi teorica e alla pratica della congiunzione “Arte Vita”. Come militante politico e animatore della cultura giovanile conduce svariate esperienze di creatività collettiva nelle periferie urbane e “mondiali”: Nicaragua, Riserve Indiane negli USA e Africa. Nel 1981 riprende l’attività nel mondo artistico, esponendo in gallerie delle installazioni accompagnate da workshops creativi con il pubblico. A partire dal 1985 inizia una ricerca artistica con le nuove tecnologie attraverso l’elaborazione del Progetto IXIANA che, presentato al Parc de la Villette di Parigi, prefigura un parco tecnologico nel quale il grande pubblico poteva sperimentare in senso artistico le tecnologie digitali.Nel corso degli anni ’90 ha sviluppato una serie di installazioni interattive multimediali con una intensa attività internazionale. Insieme a Claude Faure e Piotr Kowalski, ha costituito l’associazione internazionale Ars Technica. In qualità di responsabile della sezione italiana di Ars Technica promuove a Torino le mostre internazionali Arslab. Metodi ed Emozioni (1992), Arslab. I Sensi del Virtuale (1995), Arslab. I labirinti del corpo in gioco (1999). Ha pubblicato due libri di riflessione teorica sulle sue varie ricerche: Dall’arte alla vita, dalla vita all’arte (La Salamandra, Milano 1981) e Not for Sale (Mazzotta, Milano 2000 e Les Presses du réel, Dijon 2003). Scrive articoli per varie riviste d’arte come Juliet e Flash Art. Ha promosso il progetto del PAV – Parco Arte Vivente, che si è aperto a Torino nel 2008, nel quale si compendiano tutte le sue esperienze relative alla dialettica Natura/Cultura.

“Non avrò mai abbastanza colore per dipingere i miei pensieri”.

Nicoletta è nata e vive tuttora nella natia Repubblica di San Marino. Si è diplomata all’Istituto d’Arte di Urbino nella sezione di animazione. Dal 1995 Nicoletta ha avuto incarichi nel mondo editoriale per la realizzazione di illustrazioni per diversi libri per bambini, riviste, copertine di libri, CD e manifesti, pubblicità. Tra i suoi clienti: United Airlines, Random House, Mondadori, Simon and Shuster, Feltrinelli, Barefoot books, Macy’s, Vogue. Nel 2008 ha creato il design per il film d’animazione francese in 3D “La mecanique du couer” con la regia di Mathias Melzieau e la produzione di Luc e Silla Besson. Nel 2021 ha disegnato le animazioni per il documentario “Phoenix Rising” prodotto dalla HBO e diretto da Amy Berg. Nicoletta è oggi apprezzata soprattutto per le sue opere personali con protagoniste femminili, esposte in gallerie e musei di tutto il mondo.

Sandro Chia è nato a Firenze nel 1946. Ha studiato all’Istituto d’Arte e poi all’Accademia di Belle Arti di Firenze, dove si è diplomato nel 1969. Dopo la laurea, ha viaggiato a lungo in India, Turchia e in tutta Europa prima di stabilirsi a Roma nel 1970. Negli anni Settanta ha iniziato a esporre a Roma e in Europa, allontanandosi gradualmente dalle opere concettuali verso uno stile pittorico più figurativo. Tra il settembre 1980 e l’agosto 1981 riceve una borsa di studio dalla città di Monchengladbach, in Germania, dove si trasferisce per lavorare per un anno. L’anno successivo si trasferisce a New York City, dove rimarrà per oltre due decenni, con frequenti ritorni a Montalcino, vicino a Siena, in Italia.Ha fatto parte del movimento italiano della “Transavanguardia”, esponendo in molti dei più importanti musei e gallerie del mondo. Ha esposto alla Biennale di Parigi e di San Paolo e tre volte alla Biennale di Venezia. Il suo lavoro ha fatto parte di mostre collettive museali di fama internazionale. Tra le sue personali più importanti si ricordano le mostre allo Stedelijk Museum di Amsterdam (1983), al Metropolitan Museum di New York (1984), alla National Galerie di Berlino (1984, 1992), al Museo d’Arte Moderna di Parigi (1984); ai Musei di Dusseldorf (1984), Anversa (1989), Città del Messico (1989); a Palazzo Medici Riccardi di Firenze (1991); i musei di Karlsruhe (1992), Palm Springs (1993), Villa Medici a Roma (1995); Palazzo Reale di Milano (1997), il Boca Raton Museum of Art, Florida (1997), la Galleria Civica di Siena (1997), la Galleria Civica di Trento (2000), il Museo d’Arte di Ravenna (2000); Palazzo Pitti e il Museo Archeologico Nazionale di Firenze (2002); e più recentemente il Duomo di Sant’Agostino a Pietrasanta (2005). Agostino a Pietrasanta (2005) e la Galleria Nazionale di Arte Moderna di Roma (GNAM) (2010).Nel 2003 lo Stato italiano ha acquisito tre sue importanti opere per la collezione permanente del Senato della Repubblica a Palazzo Madama, mentre nel 2005 due sculture monumentali sono state acquisite dalla Provincia di Roma e collocate davanti alla sua sede di via IV Novembre, a Roma. Oggi vive tra Miami, Roma e la sua tenuta vinicola di Castello Romitorio a Montalcino, dove segue anche la produzione di vini prestigiosi, tra cui il Brunello, famoso in tutto il mondo, che ha vinto l'”International Wine Challenge” come miglior vino rosso nel 2010.

L’artista catalano Jaume Sans è stato un pittore e scultore d’avanguardia. Le sue opere surrealiste utilizzano forme naturali, collage e prospettiva per creare scene disorientanti e suggestive. Tuttavia, l’artista si è anche dedicato al design di prodotti e mobili, creando pezzi per se stesso. Uno di questi progetti era la lampada Pie de Salon, oggi prodotta da Santa & Cole. Nato a Sitges (Barcellona), Jaume Sans trascorre la maggior parte della sua infanzia a Cuba con la famiglia. In seguito, tornato a Barcellona, viene introdotto alla rivista L’Amic de les Arts, uno dei periodici che contribuirono a rivoluzionare il panorama artistico degli anni Venti, pubblicato a Sitges tra il 1926 e il 1929. Alla rivista collaborarono artisti come Salvador Dalí, il critico Sebastià Gasch e i letterati J.V. Foix e Lluís Montanyá. Nei primi decenni del XX secolo, i centri d’avanguardia erano quasi inesistenti in Spagna, con la rara eccezione di Barcellona. La città accolse gli artisti esiliati dalla Prima Guerra Mondiale e la sua tradizione di innovazione permise la nascita di programmi espositivi più audaci. Mostre come quella delle Galeries Dalmau del 1912, che fu la seconda mostra d’arte cubista tenuta fuori Parigi, o l’Esposizione Universale del 1929, che includeva il rivoluzionario padiglione tedesco di Mies van der Rohe, collocarono la città sulla mappa artistica europea.Dal 1932 al 1933, e contro la volontà della sua famiglia, Sans frequenta la Scuola di Arti e Mestieri, dove incontra Angel Ferrant, che avrà una profonda influenza sul suo lavoro. Sans fa parte degli Amics de l’Art Nou (ADLAN), un gruppo di artisti che promuove la diffusione delle nuove arti e organizza mostre come il Circo in miniatura di Alexander Calder o gli Oggetti di Joan Miró. Nel 1935 espone le sue sculture insieme a Ramon Marinel-lo e Eudald Serra nella mostra Tres Esculptors organizzata dall’ADLAN alle Galeries d Art Catalònia di Barcellona. Questa mostra di stampo surrealista fu fondamentale per l’evoluzione della scultura catalana contemporanea. Contemporaneamente, Jaume Sans inizia a esprimersi anche attraverso la pittura, prediligendo le forme organiche. Le sue opere fecero parte dell’Esposizione Logicofobista del 1936, la più importante mostra surrealista della Spagna dell’epoca. Allestita alle Galeries D Art Catalonia di Barcellona, la mostra presentava opere di Artur Carbonell, Leandre Cristòfol, Angel Ferrant, Jaume Sans e altri. Il logicofobismo aggiunse un tocco poetico e plastico al radicalismo surrealista.L’avanguardismo catalano è stato guidato da ADLAN e dagli architetti del GATCPAC (Gruppo di architetti tecnici catalani per il progresso dell’architettura contemporanea). L’avanguardismo catalano ha faticato a farsi accettare dal pubblico locale, ma è stato accolto con maggior favore a livello internazionale. Di conseguenza, artisti come Jaume Sans iniziarono a internazionalizzare le loro opere; questo fino allo scoppio della guerra civile spagnola, che interruppe tutte le loro attività artistiche. Durante la guerra, le opere sono sporadiche e comprendono esperimenti di collage con la compagnia dell’architetto Alfonso Buñuel e una mostra di dipinti nella sala Gaspar nel 1958. Dopo la guerra, Jaume Sans iniziò a sviluppare il proprio design di mobili. Tra le sue creazioni spicca la lampada da terra Pie de Salón, oggi edita da Santa & Cole. In seguito, l’artista si è dedicato al design industriale, trasmettendo la sua passione per questa disciplina ai suoi tre figli, che oggi lavorano nel settore. Impegnato e determinato, Jaume Sans è una figura chiave del surrealismo catalano e del suo passaggio agli albori del design industriale.

Calle Henzel è un artista multimediale. I suoi dipinti, collage e fotomontaggi, come risultato della prima sperimentazione tessile, sono stati tradotti in una vasta serie di disegni di tappeti. Negli anni ha coltivato uno standing indipendente e un modello di business che gli ha permesso una libertà artistica senza compromessi. Le opere di Henzel – che includono rappresentazioni audaci dello spirito del tempo della cultura giovanile, immagini che presentano nozioni di identità fragili e fluttuanti e cifre corrotte dalla bellezza e dai simboli – non lo collocano in nessun particolare movimento artistico o scuola di pensiero. Piuttosto, la sua pratica è un riflesso continuo di ciò che viene vissuto e percepito attraverso impulsi culturali soggettivi. Le caratteristiche uniche dei suoi pezzi conferiscono una qualità contemporanea e duratura al suo lavoro, fondendo l’astratto e il figurativo, spesso alla ricerca di una costante interazione tra il sublime e l’intenso. Il lavoro di Calle Henzel è stato esposto in numerose mostre personali, collettive e installazioni pubbliche in tutto il mondo. Calle Henzel ha collaborato con alcuni dei nomi più importanti dell’arte contemporanea, tra cui Helmut Lang, Juergen Teller, Marilyn Minter, Jack Pierson e Richard Prince. Insieme agli artisti Francis Bacon, Piero Dorazio e Damien Hirst, Infinito Mono di Calle Henzel è stato evidenziato tra i primi dieci tappeti disegnati da artisti da COVER (#33), la principale pubblicazione mondiale di tappeti e tessuti.